Uno dei pregi del libro di Rodolfo Papa è non soltanto quello di evidenziare la modernità del pittore, ma soprattutto – con una operazione rara solitamente – di restituirlo ai suoi tempi. Una restituzione che il libro pone in atto illustrando come lo straordinario talento del pittore gli abbia permesso di sfidare alcuni dei più tenaci valori culturali del suo tempo e lo abbia fatto apprezzare dai potenti del tempo.
Penso che un libro di storia dell’arte debba necessariamente ricostruire, per quanto possibile, il mondo nel quale collocare l’autore o l’opera di cui si tratta. Nel caso di Caravaggio è addirittura obbligatorio per sottrarlo da una serie abbastanza cospicua di fraintendimenti causati da un eccessivo punto di vista “nostro contemporaneo”. Caravaggio è stato troppo spesso associato con esperienze artistiche novecentesche che nulla hanno a che fare con il mondo culturale e religioso italiano a cavallo tra i secoli XVI e XVII. Certamente Caravaggio commise errori e fece dei torti a molti, ma non può essere in alcun modo associato ad esperienze artistiche come quelle di Francis Bacon, o di altri artisti nostri contemporanei dove il disagio mentale è una componente costitutiva del proprio fare. Caravaggio è certamente uno dei grandi interpreti dei mutamenti culturali e sociali del suo tempo e per questo fu molto apprezzato non solo nella penisola italiana, ma in tutto il mondo di allora.

Rodolfo Papa

Uno degli elementi che più colpiscono nella biografia di Caravaggio è la sua “trasversalità” nazionale: in altre parole, si tratta di un artista che, partendo dalle esperienze formative lombarde, matura però il suo stile a Roma e lo diffonde poi in Sicilia (oltre che a Malta). Si può dire che l’arte di Caravaggio sia come un epicentro di esperienze che cambieranno per sempre l’arte italiana e, persino, europea?
Caravaggio, raccoglie il testimone dei suoi grandi predecessori e lo trasmette arricchito della sua esperienza alle generazioni successive. Egli sa comprendere fino in fondo il linguaggio dell’arte, tanto da riorganizzarne alcuni aspetti linguistici, ma senza intraprendere, come spesso si sente dire, “rivoluzioni”. Niente di più lontano dalla mentalità del tempo, niente di più lontano dalla concezione dell’arte di Caravaggio è il termine “rivoluzione”. Egli semmai è l’esatto contrario è un “innovatore”, egli si pone in continuità con i maestri a lui precedenti, come Raffaello, Leonardo, Tiziano e Michelangelo, tanto per fare i nomi dei più grandi. Lo scopo della sua arte, della sua “schola”, è quello di tradurre, ovvero di innovare, cioè di rendere contemporaneo il linguaggio dei grandi maestri alla luce delle novità sociali, culturali e religiose scaturite dal Concilio di Trento e diffusesi nella società del tempo.

Egli risponde a queste esigenze culturali appunto con la sua maestria e con una operazione di sintesi delle “maniere” e della “natura”. Per rispondere alla seconda parte della sua domanda, si può affermare che ciò che Caravaggio compie è descrivibile in termini linguistici come una “ri-semantizzazione di segni” altrui, in un composto linguistico complesso, innovativo, ma con lunghe e profonde radici nella tradizione artistica dei secoli precedenti. Attraverso questo gesto conquista non solo giudizi positivi in Italia, ma anche nel resto d’Europa. Anche se avversato da colleghi invidiosi del suo successo, è da questi imitato, perché ormai la sua cifra ha fatto scuola al tal punto che in molti si recarono a Roma per conoscere e studiare le sue opere e intraprendere il sentiero da queste tracciato. Artisti tedeschi, olandesi, francesi e spagnoli impararono da quel modo di dipingere tanto nuovo, quanto antico, che fu l’innovativo stile di Caravaggio.

Ci presenti il suo libro, come lo definirebbe? Un saggio illustrato, un viaggio suggestivo in una Venezia poco conosciuta o altro ancora?
Il mio libro è frutto di una seria ricerca, nato con l’idea di essere accessibile a ogni tipo di lettore, il lettore che conosce Venezia o quello che non la conosce per niente. È un libro che parla di storia, di arte, di architettura e di costume. Parla di fatti importanti e di piccoli episodi, complessivamente permette al lettore di capire perché Venezia è così diversa da ogni altro posto al mondo e come il prodigioso equilibrio del sistema politico e la scaltrezza nei commerci ne abbia fatto una repubblica millenaria. Il taglio del libro è inusuale, ogni capitolo tratta un soggetto specifico e ne percorre trasversalmente la vita e la storia, offrendo un quadro a tutto tondo della Serenissima. Vengono affrontati soggetti noti e meno noti. Si parla per esempio di Piazza San Marco, centro politico, religioso, sociale per secoli o della brulicante vita intorno all’antico mercato di Rialto, del perché dei nomi delle strade, della funzione di certi elementi di arredo urbano. Si legge dei palazzi, della vita dei nobili, dei loro arredi, dell’esplosione della moda della gondola, e dei lussuosi balli. Si comprende la funzione delle prodigiose navi costruite nell’Arsenale, del dominio sul Mediterraneo, si discute di crimini e di fantasiose punizioni, delle attività che si svolgevano per la strada, di architettura, di stranieri, di culto e molto molto di più.

Lorenza Smith

Il suo libro propone quasi un itinerario per la città. Qual’è secondo lei il modo migliore per visitare/conoscere Venezia?
Venezia è sempre bella, ma è ancora più bella se la si capisce e la si rispetta. Consiglio quindi di visitarla dopo averla già un po’ conosciuta. Il mio libro non propone un itinerario, ma offre delle chiavi di lettura aprendo finestre su diverse zone dell’intera laguna, sulle qualità speciali della città, sulla sua vita e sulla produzione storico-culturale antica e recente. I capitoli, che non devono necessariamente essere letti in modo sequenziale, permettono una visione globale e trasversale di Venezia senza sottrarne il mistero e la magia che si propone ad ogni angolo.

Lei vive a New York. Come viene vissuta in America la città lagunare? È vero lo stereotipo che all’estero si nutre maggiore considerazione di noi dell’arte italiana?
Negli Stati Uniti, e a New York in particolare, i cultori dell’arte italiana sono molti. Ma anche il cittadino medio subisce un grande fascino per le bellezze della nostra terra. L’arte e la storia millenaria che hanno forgiato noi italiani, qui in America non si possono dare per scontate, e sono quindi guardate come a un privilegio da tenere in grande considerazione.

Nel suo libro parla delle abitudini cittadine che caratterizzavano Venezia. Ovviamente sono cambiate ma pensa esista ancora un’identità veneziana o il turismo ha snaturato completamente la vita quotidiana?
Quest’ultima domanda è una pugnalata al cuore. Venezia e i veneziani resistono, si mantiene il dialetto, il cibo, certe feste popolari, i giochi nei campi, il gusto per la notoria “ombra” (bicchiere di vino). In tutte le città le cose cambiano, a volte si fa fatica ad accettare le novità, per poi comprendere che tante cose fanno parte delle nuove abitudini, di un rinnovato rapporto con lo spazio e con il tempo. Ma Venezia è alla mercé di un turismo di massa, di orde di persone non preparate che hanno stravolto la vita dei cittadini, il commercio, e la morfologia stessa della città. Io credo che con una mediazione intelligente e l’imposizione di regole, si potrebbe ricomporre l’equilibrio della città permettendo a tutti di viverla bene o di visitarla con piacere.

Può spiegare il rapporto che il suo libro instaura fra i tre personaggi citati nel titolo?
La struttura “dialogica” del volume – che si rispecchia anche nella strenua selezione delle illustrazioni (alcune delle quali per la prima volta riprodotte) e nel rapporto immagini/testo – corrisponde alla volontà di scandagliare sistematicamente, senza l’ostacolo talvolta ingombrante e ottuso di barriere disciplinari, un tema che ha ispirato l’intera stagione del Rinascimento europeo. Per poter ottenere questo risultato, mi sono avvalsa di due anni di ricerca come borsista della Alexander von Humboldt-Foundation, che hanno consentito una irrinunciabile e preziosa rete di contatti con istituzioni, progetti di ricerca internazionali in corso in Germania e nei Paesi Bassi e una serie di fruttuose discussioni su argomenti che per loro natura non sono, né possono restare esclusivo dominio di un solo ambito del sapere. Consapevole delle insidie di un percorso sul crinale disciplinare, ho frattanto approfondito gli studi filosofici con un secondo dottorato di ricerca, dopo quello in storia dell’arte, avvicinando così i maggiori esperti delle questioni che andavo affrontando.
Come evidenzia il frontespizio del libro, si è trattato di cogliere la specificità con cui l’individuo del Quattrocento si interroga sul concetto, già classico, di “misura”: Vitruvio parlava di un modello di homo bene figuratus, da intendersi tuttavia non solo in senso proporzionale ed estetico, pur sempre astratto, bensì e al tempo stesso nella sua qualità morale. L’andare insieme di questa duplice istanza nella osservazione del fenomeno “uomo” è matrice comune delle esperienze delle migliori produzioni dell’epoca, siano esse orientate al pensiero di Dio e a una cristologia di cui il destino di ogni singolo individuo e perfino la sua immagine fanno parte (come in Cusano); siano esse il distillato di un confronto con le tradizioni antica e medioevale nell’ottica di una volontà di giudizio sul presente, scevra da sconti e facili ottimismi, ma pur sempre desiderosa di cogliere il nesso virtuoso – la concinnitas – fra le parti e il tutto (Alberti); siano le esperienze di confronto fra culture diverse e il difficile compito di mediare istanze di una devozione tutto sommato ancora tipicamente tardomedioevale con l’avanguardia dei mezzi artistici e scientifici (Dürer).

Elena Filippi

Il perno su cui ruota l’intero volume è la figura di Albrecht Dürer (1471-1528): un artista che non perde occasione per dichiararsi anzitutto un uomo pio e che enfatizza in molti modi la natura etica della sua attività. Grazie alle sue frequentazioni culturali in madrepatria, nonché ai viaggi di formazione in Italia, Dürer “incontra” Vitruvio, ma poi soprattutto Alberti, senza tuttavia sentirsi schiacciare dal peso dell’autorità del modello italiano, con cui istituisce un confronto serrato, ma autonomo. Di qui la sua originalità.
Ma non basta. Qui entra in gioco la mediazione culturale della eredità di Cusano, il cui pensiero nella Norimberga di fine Quattrocento veniva colto come possibile sussidio a un programma pedadogico volto a formare le giovani generazioni. A questa fase partecipa sicuramente anche Dürer – questo studio ne mostra la plausibilità – che può dunque essere a buon diritto inserito fra gli interlocutori della cultura umanstica.
In questa fase mi è stato possibile individuare le tappe e rintracciare documenti che comprovano la filiazione di alcune idee düreriane come esito originale della meditazione sui testi di Cusano.
Particolarmente stimolante per l’epoca fu la sua visione dell’uomo come misura viva. Scrive il grande filosofo e teologo mosellano: “La mente è la misura viva che, misurando le altre cose, coglie la propria capacità”!
Se pure fino ad oggi non è stato possibile definire mediante un documento originale il vivace scambio di idee fra il Cardinale di Cusa e l’Alberti, oramai la critica conviene sui molti possibili “luoghi” d’incontro, siano essi anche soltanto le reciproche amicizie e le comuni letture. I due sono accomunati anche dalla grande fiducia per la prassi, per l’experimentum (lo stesso dicasi per Dürer), anche se poi questo modello conoscitivo della realtà serve loro per scopi differenti. La flessibilità pur nella ricerca imperterrita e ostinata di una “misura ideale” è caratteristica peculiare dell’arte düreriana.

Il suo libro parla di una svolta nella comprensione dell’immagine rispetto all’età antica: possiamo alla luce delle sue riflessioni attualizzarla ai giorni nostri?
È il secondo tema messo a fuoco nel mio studio riguardo lo sviluppo della nozione di individuo che si scopre «viva immagine di Dio» – sono ancora parole di Cusano, e quindi nesso tra finito e infinito: un sentimento che dà vertigine, a ben pensare; quella stessa sensazione di entusiasmo, di furor, che è stata avvertita dagli intellettuali e dai migliori artisti di quell’epoca formidabile. Di qui anche la scoperta del surplus di valore di una immagine, a partire dalla sua forza evocativa.
Un fatto è certo: intorno alla metà del XV secolo maturano, al di qua e al di là delle Alpi, quelle impressionanti indagini sulla visione, sul rapporto fra opera e osservatore, che portano fra l’altro a esiti potenti come l’Autoritratto di Dürer del 1500 (Monaco, Alte Pinakothek), intorno al quale si dipana il mio sforzo nel seguire le tappe significative della evoluzione del genere ritrattistico nella prima età moderna, partendo dal motivo della icona bizantina, fino alla considerazione che l’individuo ha di sé in quanto “alter deus”. Qui  trova spazio e contesto il problema della imitazione di Cristo.

C’è un qualche messaggio finale nel suo libro?
Sostanzialmente due: la ricerca, come tale, non si appaga di certezze e punti fermi, benché preziosi alleati. L’ultimo capitolo del libro si intitola: “Una colonna di problemi” e riguarda l’analisi di una xilografia düreriana che ha dato e continua a dare filo da torcere ai suoi interpreti e a ogni lettore del manuale per i giovani artisti in cui si trova inserita. Insieme a un esercizio di metodo, la mia nuova analisi tiene conto della natura “dialogica” di tale opera, con l’Antico, con gli esiti del Rinascimento italiano, con le letture che soddisfano l’estrema curiosità di questo Maestro, ma al contempo l’opera parla di un presente con cui l’uomo Alberto si trova a fare i conti e, con lui, la sua coscienza e la sua fede, scosse da eventi terribili e inquietanti, che mettono a soqquadro norme, certezze e il sogno di un’epoca.
Ritorna poderoso il motivo della scelta, che ciascuno, volta per volta, è chiamato a compiere. L’uomo dell’Umanesimo è un essere perfettibile, che si ispira al modello di Ercole al bivio, sempre in cammino… questo cammino è faticoso, accidentato, ma non va rifiutato.
Anche nel gioco delle didascalie in esergo ai capitoli, il confronto con la nostra attualità e con le sfide che ci attendono è stato volutamente evocato.

Abbiamo intervistato la curatrice del volume Silvana Sarti.

Un libro di ricette ma non solo, perché fotografa un mutamento avvenuto nel modo di trasmettere il saper fare tipico della cucina. Come valuta questi cambiamenti?
C’era una volta il ‘tramandare’. Di generazione in generazione si trasferivano vecchie ricette costellate di piccoli grandi segreti di famiglia, di madre in figlia, da nonna a nipote, per non disperdere antichi saperi e importanti tradizioni, che attraverso l’atto di cucinare e nutrire i propri cari, manifestavano cura, amore e dedizione. Ed è così, non dalle grandi cucine degli chef, ma dal sapere quotidiano delle donne, dagli ingredienti più semplici o addirittura poveri, che sono nati i fondamenti della cucina italiana, legata al territorio e alle sue molteplici sfaccettature. Oggi nell’epoca della comunicazione di massa, e con il dinamismo di internet, la stessa voglia di trasmettere saperi vecchi e nuovi, è approdata sul web, dove nel mare di informazioni che è possibile trovare, è riuscita a ritagliarsi uno spazio davvero rilevante. Rapidamente sono nati innumerevoli blog di cucina, alcuni tra l’altro veramente autorevoli, dove lo scambio di ricette e la diffusione delle stesse, diventano una sorta di appuntamento quotidiano per chi ama la cucina e la buona tavola. Siamo di fronte ad un cambiamento epocale, dove spesso la ricchezza dei contenuti e l’opportunità di condividerli velocemente e capillarmente nel mondo, crea un modo concettualmente diverso di ‘fare cucina’ e soprattutto di fare informazione gastronomica. Cosa che il mondo editoriale non può di certo ignorare, ma deve giustamente raccogliere e diffondere, come abbiamo fatto con questo libro.

Le ricette selezionate hanno la caratteristica di essere aperte a molteplici influenze, come vede l’evolversi della cucina tradizionale alla luce di un gusto che diventa sempre più elaborato?
E’ naturale che nel gusto ci sia una graduale evoluzione, come in qualsiasi ambito sociale. Il libro è attraversato da una propositiva selezione di materie prime di primissima qualità e di ingredienti o accostamenti talvolta innovativi, che stimolano curiosità e interesse. Tutte queste novità apportano aria nuova e in generale una maggior raffinatezza nei piatti delle grandi occasioni, come nella cucina per tutti i giorni. E’ senza dubbio un’evoluzione positiva, che nulla toglie a chi resta diciamo così, tradizionalista, e arricchisce molto chi si apre volentieri alla contaminazione con altre culture e ad esperienze culinarie sempre nuove.

Quale valenza dà allo strumento blog in relazione al mondo apparentemente lontano del cucinare?

Silvana Sarti

Il blog per sua natura nasce da esperienze emotivamente rilevanti per chi lo scrive, qualunque sia la sua tematica di base. Trattare di cibo e di cucina in un blog, significa affermare e narrare quella coniugazione straordinaria tra sentimento e ragione, che il bisogno ancestrale della nutrizione ha mescolato e sviluppato in una serie di simbolismi profondamente radicati in noi. Ecco dunque che chi legge una nostra ricetta, legge anche la storia emotiva che questa rappresenta, e nel cucinarla e consumarla, il fruitore del blog elabora e condivide a sua volta qualcosa che rappresenta anche altro rispetto a un semplice piatto ben riuscito. Chi legge un blog vi si appassiona, e si appassiona alla personalità e alle vicende di chi lo scrive, non solo ai suoi contenuti. In questo senso la cucina si presta moltissimo come tema di condivisione e interpretazione.

Fotografia, internet e cucina. Ma alla fine le resta il tempo per gustare tutti i piatti che presenta?
Certo che sì, il foodblogging va fatto senza tralasciare di assaporare i propri piatti e sempre alla ricerca di nuove scoperte. Ciononostante, è difficile immaginare quanto lavoro ci sia dietro la preparazione di un post per il quale si è ragionato e progettato prima, cucinato poi, fotografato con cura maniacale per i dettagli, e infine elaborato una stesura il più possibile ben scritta della ricetta e delle sue peculiarità. In particolare la fotografia dei piatti richiede uno sforzo intellettivo e un’operosa ricerca di materiale da cucina, per offrire un’immagine non solo accattivante ma dettagliata, evocativa ed attuale. Insomma alla fine dietro un blog di cucina c’è un’impresa che non esito a definire veramente professionale, fondata su grande amore per il cibo e piena di dedizione e fatica, che però è anche piena di gratificazione per chi se ne occupa.

Il food blog di Silvana Sarti si chiama  uvaromatica.